Vivian Galban

Buenos Aires, Argentina| b.1969

Entre el cielo y la tierra | 2009

About the series

Between the sky and the earth is a triptych of photos that subtly captures a precise moment as a sequence. Moira, the portrayed model in the photos and in the video installation Climax – that accompanies the series- is condemn to repeat the same action over and over again, until exhaustion. She achieves her desire to vegetate in an eternal moment.

In the artist’s words, the series is the gaze of a woman from another woman’s point of view, exploring the relationship between artist and model.

Between the sky and the earth is a triptych of photos that subtly captures a precise moment as a sequence. Moira, the portrayed model in the photos and in the video installation Climax – that accompanies the series- is condemn to repeat the same action over and over again, until exhaustion. She achieves her desire to vegetate in an eternal moment.

In the artist’s words, the series is the gaze of a woman from another woman’s point of view, exploring the relationship between artist and model.

Sobre la serie

Entre el cielo y la tierra es un tríptico de fotos que capta con sutileza un instante preciso a modo de secuencia. Moira, la modelo retratada en las fotos y en la video instalación Clímax (que acompaña la serie), se ve condenada a repetir la misma acción una y otra vez, hasta el cansancio. Cumple así, su deseo de vegetar en un instante eterno.

En palabras de la artista, la serie es la mirada de una mujer desde el punto de vista de otra mujer, explorando a su vez la relación entre artista y modelo.

Cimbrar | 2013

About the series

In the emergence of modernity, with the invention of the individual, the portrait genre was born. The human beings wanted to separate themselves from the scheme of mysterious stories that involved the earth with divinities and people with beasts. They wanted to guarantee a distinctive identity. In the series Cimbrar, Vivian Galban submits portrait pride to dissolution. A sequence of light, time and space boxes submits the body to an escape line that turns it imprecise and unreachable. Like a sort of phantasmic Muybridge. After years of obsessive working on the same model, with a hyperrealistic treatment, she hides her gaze and sneaks away from photographic fixation. Up close, it is reduced to a shapeless field and flashing spots and stirrings. Even that which is the object of our attention, slips away like the inconceivable universe. Where the similarity fades, the photograph reveals its distinctive power. Still undecipherable, it is the material imprint of an existence.

Sobre la serie

En el surgimiento de la Modernidad, junto a la invención del individuo, nació el género del retrato. El ser humano quiso separarse del entramado de relatos misteriosos que empastaban la Tierra con las divinidades, y las personas con las bestias, y asegurarse una identidad distintiva. En su serie Cimbrar, Vivian Galban somete el orgullo del retrato a la disolución. Compuesta por una secuencia de cajas de luz, tiempo y espacio somete el cuerpo a una línea de fuga que lo vuelve impreciso e inasible, como una suerte de Muybridge fantasmático. Después de años de trabajar obsesivamente sobre la misma modelo, con un tratamiento hiperrealista, esconde su mirada y se escabulle de la fijación fotográfica. De cerca, se reduce a un campo informe y titilante de manchas y de agitaciones. Aún aquello que es objeto de nuestra atención, se escurre como el inconcebible universo. Allí donde la semejanza se esfuma, revela la fotografía su poder distintivo porque, aún indescifrable, se trata de la huella material de una existencia.

Déjà vu | 2013

About the series

The series is composed of a photograph, Woman in blouse with edging, and a video installation, Déjà vu, a projection of a female figure on a real-sized egg.

Borges imagined a one or two inches sphere that gathers the whole cosmos. In Déjà vu, the artist condenses the force of life conceived as a sort of small gem where a woman swims in the blurred limits of the real egg and the metaphor egg. It is pure strength without extension, without events, which also figures our ignorance. We do not know what a body can do, Spinoza said, because our awareness of him is always inferior to his power. Outside the embryo, it stalks the world.

Sobre la serie

La serie esta compuesta de una fotografía, Mujer en blusa con ribete, y una videoinstalación, Déjà vu, una proyección de una figura femenina sobre un huevo en tamaño real.

Borges imaginó una esfera que, en dos o tres centímetros, reúne el cosmos. Vivian Galban, en Déjà vu, concentra la fuerza de la vida concebida como una suerte de joya pequeña donde una mujer neutra nada en los límites escasos del huevo real y del huevo metáfora. Es pura fuerza sin extensión, sin acontecimientos, que cifra también nuestra ignorancia. No sabemos lo que puede un cuerpo, dijo Spinoza, porque siempre la conciencia que tenemos de él es inferior a su potencia. Fuera del embrión, acecha el mundo.

Bruma | 2013

About the series

The series Bruma tracks a composition-decomposition of the image into something like an abstract painting. It deepens in the search of plastic abstraction of the body. Vivian Galban tries the ability of photography to dissolve the boundaries without losing the whole figuration, trying to establish a double reading: what we intuit as a shape and what vanishes as such.

The attitude of Vivan Galban has an anchorage in the self, in her quest for otherness. Her references and obsessions abbreviate expressionism. We recognize a tendency to a certain tragic feeling of life, to obsession. The figures dissolve or rebel trying to escape the frame. The artist researches the ability of light to blend colors without the existence of matter. In the direct digital shot, the color is randomly selected and the unexpected is subsequently captured. The staging bares an aspect of the human condition. Her back women are colorful, evanescent, elusive and at the same time unreachable spots. Somehow lies an epic, an open story.

Sobre la serie

La serie Bruma sigue una composición-descomposición de la imagen hasta convertirla en algo parecido a una pintura abstracta. Ahonda en la búsqueda de abstracción plástica del cuerpo. Vivian Galban ensaya la capacidad de la fotografía de disolver los límites sin perder del todo la figuración, tratando así de establecer una doble lectura: lo que se intuye como forma y lo que se desvanece como tal.

La actitud de Vivan Galban posee un anclaje en el yo, en su búsqueda de la otredad. Sus referentes y obsesiones abrevan del expresionismo, donde se reconoce una tendencia a un cierto sentimiento trágico de la vida, a la obsesión. Las figuras se disuelven o se rebelan tratando de escapar del encuadre. La artista indaga la capacidad de la luz para mezclar los colores sin la existencia de la materia. En la toma directa digital, el color se marida aleatoriamente, con lo cual lo inesperado aparece posteriormente plasmado. La puesta en escena desnuda un aspecto de la condición humana. Aquí, sus mujeres de espalda son manchas coloridas, evanescentes, elusivas y a la vez inalcanzables. De alguna manera subyace una épica, un relato abierto.

Valley of the Yosemite, from Rocky Ford (1872) | 2015

Sobre la serie

Atravesado por una serie de discusiones en torno a la imagen y sus signos, un inteligente texto de Rosalind Krauss escrito en 1981, nos revelaba por primera vez que la vanguardia debía entenderse menos como un gesto de afirmatividad que como un discurso cuyos mitos y leyendas solía camuflar su principal legado: la novedad. Lejos de tratarse de un lenguaje que revelase lo extraordinario o que plantease que lo único evidente en el arte es que ya nada es evidente -como afirmaba Theodore Adorno-, el mecanismo oculto de la vanguardia en la era posmo había dejado como consecuencia dos procedimientos: la repetición y la apropiación.

Valle del Yosemite, de Rocky Ford (1872) de Eadweard Muybridge, es la imagen de la que Galban se apropia. Aqui, se hace visible el origen de aquel eterno retorno que nos propone la artista. Partiendo de una imagen digital, Galban selecciona el encuadre, disecciona los soportes y disuelve la imagen usando y apropiando la techné de la historia de los dispositivos fotográficos. En su presentación se destacan las placas de vidrio ubicadas de forma contigua y yuxtapuesta, reforzando el relato redondo y diferencial que se aleja de una modernidad narrada, para pensar cómo se deconstruye el relato de la fotografía, sin los mecanismos progresivos de linealidad y continuidad.

Si la apropiación se vuelve uno de los sistemas que estructuran la obra, la repetición es el positivo de esta realidad retratada. Encarnadas en placas de vidrio con técnicas de colodión húmedo, o en falsos daguerrotipos, ambrotipos, gelatina de plata, postales o en proyecciones de luz. La operatoria de poner el foco en los procedimientos fotográficos empelados -y no en la imagen resultante- liga el trabajo de Galban a un conjunto de artistas contemporáneos, cuyo principal cuestionamiento se basa en los procesos de fijación de la imagen, y del soporte fotográfico.

Con pocos elementos liberados al azar, a excepción de esa mancha casi plástica del colodión, Galban versiona imágenes de uno de los pioneros de la fotografía modernista. Recordar las estrategias apropiacionistas que Krauss proponía revelar significa cerrar el círculo.