Artists
Bio & Statement

Vivian Galban

Buenos Aires, Argentina b.1969
Bio
Statement
Works

Exposición en Tiempo Real | Protocolo de reactivación, 2019

PHOTOGRAPHY AS A COMMON EXPERIENCE

“… The more profound the distance that a gaze has to reach, greater the charm which emanates from it.“
Walter Benjamin.

As a social practice, photography does not end exhausted in an image. There is a before, an after and a middle time. A whole sequence of gestures and agreements that, confusing the boundaries between object and subject, compose an event horizon. For some ones, could be a a death micro-version experience, a parenthesis, a ghosts science that opens different uses of time, also providing a new perspective and telling another possible story.

Exposición en tiempo real, from its title, proposes a vanishing movement. Contrariwise, this project it involves a way of understanding and practicing photo- graphy outside the finished product, that is to say, outside of its most frequent commercial uses. To think from an expanded field perspective the technical procedures, inside a bigger circulation system: a multiple vitality of caracters or a proliferation of natural and artificial agents, human and non-human. Even those abstract or invisible elements that we do not normally perceive, but that have a direct participation in the process. I think, for example, of chemicals products and lenses or, more unknowingly, of the spatial trajectory of an image. However, on the spectator’s side, this exhibition is not only visited. One participates while an endless number of realities of different natures act out. Photography as choreography: network of affections and effects: that is, when technology is understood not as a gadget but as a complex device inserted in a system of procedures and disciplines that give shape to the political. Or what is the same: how Vivian Galban, on this occasion more inductive and accomplice than author, pushes the photographic language to a field of collective agency, to a doing with others that focuses on the idea of performativity.

A few accurate instructions on the wall receive the spectator. Although from outside the gallery the people can realize the wooden camera obscura created by Galban. The wooden Camera’s dimensions and its scale, bigger than human size, make us think in a big scale installation, an environment or, as Joseph Beuys said, a social sculpture: a societal framework where thought, action and objects converge. In a demonstrative way, the text incites to resist the exposure time and leave the imprint of each visitor’s passage. To hold the presence, now that we almost have a time to rest. Experiment again a certain stillness, slowdown, as today claimed several activist groups that advocate fort hes lowlife, healthier, less pathological. Vivan Galban coincive her work as around trip of photography, alongside of a series of movements and agents that can not be missed in a performance practice. Space, time and body: what Walter Benjamin called aura: rather than a quality, a knot or a network that sorround us with the artwork. Because by aura, in addition to issues that already address the exhausted discussion between original, simulacrum and copy, we can realize a momentum, an almost transcendental capacity for affection. The magic instant of an encounter, when a certain thing can become intoanotherone. Now, what it is transformedat this exhibition in realtime? Is the reality that see how an image of it’s own skin comes off? Is it the passing of time that is suddenly challenged? Or is it something that happens both at the molecular level, at the same time in our own body in the exhibition space?

There is also another factor that enables thinking about this project as a social sculpture or, directly, as a performance. Something certainly unusual in the context of an art gallery like Rolf, dedicated tot he exhibition and contemplation of contemporary photography. I am referring to how in this opportunity the artist “place her body”, an expression converted into a slogan by certain conceptions and by the new age philosophies. Not in vain, beyond how every author cover up himself behind the work, Vivian Galban takes an active part in the network of entities that embody to this Exhibition in real time. It is the artist herself who will carry out the development of the images. Live, in the exhibition hall at the gallery, but hidden inside her camera obscura, the visitors are invited to come in, going inside to the labyrinth. A place usually banned from the public, which here opens its doors to reveal the process of making real what was invisible. It is Impossible not to go back in time and think of those pioneers who, until the twentieth century, traveled the routes with their track-studios. Photo- graphy as a nomadic life way, as errancy, some times also as a failed process, a veiling and a latent image. A distant moment that today we feel with tender- ness, in parallel to a certain fascination, almost fetishist, for the cameras, the film and the analogue development. Just when the circulation and digital production of images seems to threaten the very materiality of our lives, that is when infinite reproducibility and postproduction propose a new visual ontolo- gy.

Although in view of how noble techniques refuse to disappear, and not only of certain initiates spheres, there is no reason to announce the death of photo- graphy. However, technology, regardless of how Tacita Dean celebrated the death of the 16mm film, is always cumulative. It is metamorphosed by substrates bifurcating into supports and different modes of employment, where anachronies, preferences and previous visual desires survive even at the birth of the same photography it self. In this way, Galban’s proposal is not reduced to a nostalgic gesture. This is not a vintage claim of photochemical processes. Or at least the photo-chemical processes are not the center of her project. The interesting thing here is to share, share a time and a space. Since it is, a call to understand the image in its binding sense, as a vehicle to articulate and implement a certain social and material circulation. A symphony where altogether will set the images of the visitors that stop by… in front of the dark camera of Galban, set up at the gallery ́s walls according the exhibition happens until its end advances. Therefore, we could talk about how this Real-time Exposition shows how all photography essentially involves a passage or a movement. A dance that, as it will be evidenced by the differences between each exposed image, is increasingly difficult to contain.

Little or nothing remains of that famous expression “stop the time” or “for eternity” of the image that, supposedly constituted the magic and the ultimate charm of photography. The powers of alchemy point in another direction. More interesting certainly is what proposes an exhibition that, surpassing the framework of relational art, is related to some choreographic experiments proposed by curators like Raimundas Malasauskas, with her expanded readings of what can be an artistic object or art exhibition. Visions and above all actions that, as we said, surpass the bond establi- shed by Nicolas Borriueud between the viewer and the artwork, now expanded to the agency capacity and affection of a whole network of entities and perspectives that operate at the margin of any activation. That is to say, an update of the situational art proposed by Michael Asher at the end of the sixties, more open to the mysterious effects of space than to the discipline imposed by the museum or the art gallery. Because admit it: there is nothing more ridiculous and petulant than that of activating shows once that they have been inaugurated, as if they were not alive without the presence of humans, as if they needed the viewer’s gaze to exist. Thus, Peter Pal Pelbart suggests, sometimes it is a matter of acting and of allowing oneself to act for and with others. which would be stop for a moment… do not do … let do. Suspend our will to merge with others in a common space, without intention or interest. In other words: to stand in front of Vivan Galban’s camera and trust, to experience a real-time exhibition visit in the manner of a game. Surrender, like someone who gives himself to an event of unpredictable resonances.

Alfredo Aracil
Febrero 2019, Buenos Aires, Argentina

LA FOTOGRAFÍA COMO EXPERIENCIA DE LO COMÚN

“…cuanto más profunda sea la lejanía que una mirada tendrá que superar, más fuerte será el encantamiento que emana de ella”
Walter Benjamin

Como practica social, la fotografía no se agota en la imagen. Hay un antes, un después y un durante. Toda una secuencia de gestos y pactos que, confun- diendo los límites entre objeto y sujeto, componen un horizonte de sucesos. Para algunos, una micro-versión de la muerte, un paréntesis, una ciencia de fantasmas que abre diversos usos del tiempo, disponiendo además una perspectiva de las cosas y un relato posible.

Exposición en tiempo real, desde su mismo título, propone un movimiento de fuga. A contrapelo, este proyecto comporta una manera de entender y practicar la fotografía por fuera del producto terminado, es decir, por fuera de sus usos comerciales más frecuentes. Pensar los procedimientos técnicos en un campo expandido, dentro un sistema de circulación más amplio: una vitalidad de agentes naturales y artificiales, humanos y no-humanos. Incluso aquellos actores que normalmente no percibimos por abstractos o invisibles, pero que tiene una participación directa en el proceso. Pienso, por ejemplo, en los químicos y las lentes o, de forma más incognoscible, en la vida de una imagen. Con todo, del lado del espectador, esta exposición no sólo se visita. Se participa mientras actúan un sinfín de realidades de distinta naturaleza. La fotografía como coreografía: red de afectos y efectos: esto es, cuando la tecno- logía es comprendida no como un gadget sino como un dispositivo complejo inserto en un sistema de procedimientos y disciplinas que dan forma a lo político. O lo que es lo mismo: cómo Vivian Galban, en esta ocasión más inductora y cómplice que autora, empuja el lenguaje fotográfico a un campo de agencia colectiva, a un hacer en común, que hace foco en la idea de performatividad.

Unas concisas instrucciones sobre el muro reciben al espectador. Aunque desde el exterior de la galería ya puede verse la cámara obscura de madera proyectada por Galban. De madera, sus dimensiones y su escala, superior a la humana, hacen pensar en una instalación, un environment o, como diría Joseph Beuys, una escultura social: un marco societario donde convergen pensamiento, acción y objetos. De manera escueta, en modo demostrativo, el texto incita a resistir el tiempo de exposición y dejar la huella de cada visita. Sostener la presencia, ahora que casi no contamos con tiempo para descansar. Experimentar de nuevo una cierta quietud, lentificarse, como hoy reivindican diversos colectivos que abogan por una slow life, más sana, menos patológica. Vivan Galban concibe su trabajo como un ida y vuelta de la fotografía, del lado de una serie de movimientos y agentes que no pueden faltar en una perfor- mance. Espacio, tiempo y cuerpo: aquello que Walter Benjamin llamó aura: no una cualidad, más bien un nudo o una red que nos envuelve al contacto con la obra de arte. Porque por aura, además de cuestiones que abordan la ya agotada discusión entre original, simulacro y copia, podemos entender una cierta capacidad de afecto, casi trascendental, un momentum. El instante mágico de un encuentro, cuando la cosa puede devenir otra. Ahora bien ¿qué sería lo que se transforma en Expsición en tiempo real? ¿Es la realidad que ve como se desprende una imagen de su piel? ¿Es el transcurrir del tiempo que, de repente, se ve desafiado? ¿O se trata de algo que acontece tanto a nivel molecular, por partida doble, en nuestro propio cuerpo y en el espacio de exposi- ción?

Hay, además, otro factor que habilita el pensar este proyecto como una escultura social o, directamente, como una performance. Algo ciertamente inusual en el contexto de una galería como Rolf, dedicada a la exposición y contemplación de fotografía contemporánea. Me refiero a cómo en este caso la artista pone el cuerpo, una frase convertida en eslogan por ciertas lecturas del pensamiento y la filosofía más actual. No en vano, más allá de cómo todo autor se camufla detrás de su obra, Vivian Galban toma parte activa de la red de entidades que dan cuerpo a Exposición en tiempo real. Es ella misma quien llevará a cabo el revelado de la imagen. En directo, en la propia sala de exposiciones, pero escondida dentro de la cámara oscura, que los visitantes son invitados a pasear como quien se adentra en un laberinto. Un lugar habitualmente vetado al público, que aquí abre sus puertas para que podamos atestiguar el volverse real de lo invisible. Imposible no volver atrás en el tiempo y pensar en aquellos pioneros que, hasta bien entrado el siglo XX, recorrían las rutas con sus camionetas-estudios. La fotografía como forma de vida nómada, como errancia, también en tanto que proceso a veces fallido, una veladura y una imagen latente. Un momento lejano que hoy sentimos con ternura, en paralelo a una cierta fascinación, casi fetichista, por las cámaras, la película y el revela- do analógico. Justo cuando la circulación y producción digital de imágenes parece amenazar la materialidad misma de nuestras vidas, esto es, cuando la reproductibilidad infinita y la posproducción proponen una nueva ontología visual.

Aunque a la vista de cómo las técnicas nobles se niegan a desaparecer, y no sólo de ciertas esferas de iniciados, tampoco hay razón para anunciar la muerte de la fotografía. Con todo, la tecnología, al margen de cómo Tacita Dean celebró la muerte del film de 16mm, es siempre acumulativa. Se metamorfosea por sustratos bifurcándose en soportes y modos de empleo distintos, donde perviven anacronías, querencias y deseos visuales anteriores incluso al nacimiento de la misma fotografía. De esta forma, la propuesta de Galbán no se reduce a un gesto nostálgico. Esta no es una reivindicación vintage de los procesos foto-químicos. O al menos los procesos foto-químicos no constituyen el centro de su proyecto. Lo interesante aquí es compartir, poner en común un tiempo y un espacio. Ya que se trata, más bien, de un llamado a comprender la imagen en su sentido vincular, como un vehículo para articular y poner en marcha una cierta circulación social y material. Una sinfonía como la que, en conjunto, compondrán las imágenes de los visitantes que se detengan delante de la cámara obscura de Galban, montadas a la pared de la galería según avanza una muestra que se mantiene viva hasta su mismo final. Por lo tanto, a lo sumo, podríamos hablar de cómo Exposición en tiempo real evidencia de qué manera toda fotografía entraña, esencialmente, un pasaje o un movimiento. Una danza que, como evidenciarán las diferencias entre cada imagen expuesta, es cada vez más difícil de contener.

Poco o nada queda, en ese sentido, de aquel famoso “detener el tiempo” o de la imagen “para la eternidad” que, supuestamente, constituía la magia y el encanto último de la fotografía. Los poderes de la alquimia apuntan en otra dirección. Más interesante, sin duda, es lo que propone una exposición que, superando el marco del arte relacional, se emparenta con algunos experimentos coreográficos propuestos por curadores como Raimundas Malasauskas, con sus lecturas expandidas de lo que puede un objeto artístico o una exposición. Visiones y sobre todo acciones que, como decíamos, superan el vínculo que estableciera Nicolas Borriueud entre espectador y obra, ampliado ahora a la capacidad de agencia y afecto de toda una red de entidades y perspecti- vas que operan al margen de activación alguna. Es, de alguna forma, una actualización de arte situacional propuesto por Michael Asher a finales de los años sesenta, más abierta a los misteriosos efectos del espacio que a la disciplina que impone el museo o la galería. Porque admitámoslo: no hay nada más ridículo y petulante que eso de activar muestras una vez han sido inauguradas, como si no estuviesen vivas sin la presencia de humanos, como si necesitasen de la mirada del espectador para existir. Así, sugiere Peter Pal Pelbart, a veces es cuestión de actuar y de dejarse actuar por y con los otros. Detenerse un momento. No hacer. Suspender nuestra voluntad para fundirnos con los otros en un espacio común, sin intención ni interés. En otras palabras: plantarse ante la cámara de Vivían Galban y confiar-se, para experimentar a la manera de un juego la visita a Exposición en tiempo real. Abandonarse, como quien se entrega a un acontecimiento de resonancias impredecibles.

Alfredo Aracil
Febrero 2019, Buenos Aires, Argentina

Exposición en Tiempo Real | Material residual, 2019

Valley of the Yosemite, from Rocky Ford (1872), 2016

Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)he Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872)
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) (Installation View) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), Vista de la Instalación
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Vivian Galban
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016
Vivian Galban
Valley of the Yosemite, From the Rocky Ford (1872) | Valle de Yosemite, desde Rocky Ford (1872), 2016

Sobre la serie

Atravesado por una serie de discusiones en torno a la imagen y sus signos, un inteligente texto de Rosalind Krauss escrito en 1981, nos revelaba por primera vez que la vanguardia debía entenderse menos como un gesto de afirmatividad que como un discurso cuyos mitos y leyendas solía camuflar su principal legado: la novedad. Lejos de tratarse de un lenguaje que revelase lo extraordinario o que plantease que lo único evidente en el arte es que ya nada es evidente -como afirmaba Theodore Adorno-, el mecanismo oculto de la vanguardia en la era posmo había dejado como consecuencia dos procedimientos: la repetición y la apropiación.

Valle del Yosemite, de Rocky Ford (1872) de Eadweard Muybridge, es la imagen de la que Galban se apropia. Aqui, se hace visible el origen de aquel eterno retorno que nos propone la artista. Partiendo de una imagen digital, Galban selecciona el encuadre, disecciona los soportes y disuelve la imagen usando y apropiando la techné de la historia de los dispositivos fotográficos. En su presentación se destacan las placas de vidrio ubicadas de forma contigua y yuxtapuesta, reforzando el relato redondo y diferencial que se aleja de una modernidad narrada, para pensar cómo se deconstruye el relato de la fotografía, sin los mecanismos progresivos de linealidad y continuidad.

Si la apropiación se vuelve uno de los sistemas que estructuran la obra, la repetición es el positivo de esta realidad retratada. Encarnadas en placas de vidrio con técnicas de colodión húmedo, o en falsos daguerrotipos, ambrotipos, gelatina de plata, postales o en proyecciones de luz. La operatoria de poner el foco en los procedimientos fotográficos empelados -y no en la imagen resultante- liga el trabajo de Galban a un conjunto de artistas contemporáneos, cuyo principal cuestionamiento se basa en los procesos de fijación de la imagen, y del soporte fotográfico.

Con pocos elementos liberados al azar, a excepción de esa mancha casi plástica del colodión, Galban versiona imágenes de uno de los pioneros de la fotografía modernista. Recordar las estrategias apropiacionistas que Krauss proponía revelar significa cerrar el círculo.

Bruma | Mist, 2013

Vivian Galban
Mist | Bruma, 2013
Vivian Galban
Mist | Bruma, 2013
Vivian Galban
Mist | Bruma, 2013
Vivian Galban
Mist | Bruma, 2013
Vivian Galban
Mist | Bruma, 2013
Vivian Galban
Mist | Bruma , 2013
Vivian Galban
Woman in blouse with edging | Mujer en Blusa con Ribete , 2016
Vivian Galban
Mist (installation view) | Bruma (vista de instalación), 2013
Vivian Galban
Mist (installation view) | Bruma (vista de instalación), 2013

About the series

The series Bruma tracks a composition-decomposition of the image into something like an abstract painting. It deepens in the search of plastic abstraction of the body. Vivian Galban tries the ability of photography to dissolve the boundaries without losing the whole figuration, trying to establish a double reading: what we intuit as a shape and what vanishes as such.

The attitude of Vivan Galban has an anchorage in the self, in her quest for otherness. Her references and obsessions abbreviate expressionism. We recognize a tendency to a certain tragic feeling of life, to obsession. The figures dissolve or rebel trying to escape the frame. The artist researches the ability of light to blend colors without the existence of matter. In the direct digital shot, the color is randomly selected and the unexpected is subsequently captured. The staging bares an aspect of the human condition. Her back women are colorful, evanescent, elusive and at the same time unreachable spots. Somehow lies an epic, an open story.

Sobre la serie

La serie Bruma sigue una composición-descomposición de la imagen hasta convertirla en algo parecido a una pintura abstracta. Ahonda en la búsqueda de abstracción plástica del cuerpo. Vivian Galban ensaya la capacidad de la fotografía de disolver los límites sin perder del todo la figuración, tratando así de establecer una doble lectura: lo que se intuye como forma y lo que se desvanece como tal.

La actitud de Vivan Galban posee un anclaje en el yo, en su búsqueda de la otredad. Sus referentes y obsesiones abrevan del expresionismo, donde se reconoce una tendencia a un cierto sentimiento trágico de la vida, a la obsesión. Las figuras se disuelven o se rebelan tratando de escapar del encuadre. La artista indaga la capacidad de la luz para mezclar los colores sin la existencia de la materia. En la toma directa digital, el color se marida aleatoriamente, con lo cual lo inesperado aparece posteriormente plasmado. La puesta en escena desnuda un aspecto de la condición humana. Aquí, sus mujeres de espalda son manchas coloridas, evanescentes, elusivas y a la vez inalcanzables. De alguna manera subyace una épica, un relato abierto.

Cimbrar | Tuning, 2013

Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning (installation view) | Cimbrar (vista de instalación), 2013
Vivian Galban
Tuning | Cimbrar, 2013
Vivian Galban
Tuning (installation view) | Cimbrar (vista de instalación), 2013
Vivian Galban
Tuning (installation view) | Cimbrar (vista de instalación), 2013

About the series

In the emergence of modernity, with the invention of the individual, the portrait genre was born. The human beings wanted to separate themselves from the scheme of mysterious stories that involved the earth with divinities and people with beasts. They wanted to guarantee a distinctive identity. In the series Cimbrar, Vivian Galban submits portrait pride to dissolution. A sequence of light, time and space boxes submits the body to an escape line that turns it imprecise and unreachable. Like a sort of phantasmic Muybridge. After years of obsessive working on the same model, with a hyperrealistic treatment, she hides her gaze and sneaks away from photographic fixation. Up close, it is reduced to a shapeless field and flashing spots and stirrings. Even that which is the object of our attention, slips away like the inconceivable universe. Where the similarity fades, the photograph reveals its distinctive power. Still undecipherable, it is the material imprint of an existence.

Sobre la serie

En el surgimiento de la Modernidad, junto a la invención del individuo, nació el género del retrato. El ser humano quiso separarse del entramado de relatos misteriosos que empastaban la Tierra con las divinidades, y las personas con las bestias, y asegurarse una identidad distintiva. En su serie Cimbrar, Vivian Galban somete el orgullo del retrato a la disolución. Compuesta por una secuencia de cajas de luz, tiempo y espacio somete el cuerpo a una línea de fuga que lo vuelve impreciso e inasible, como una suerte de Muybridge fantasmático. Después de años de trabajar obsesivamente sobre la misma modelo, con un tratamiento hiperrealista, esconde su mirada y se escabulle de la fijación fotográfica. De cerca, se reduce a un campo informe y titilante de manchas y de agitaciones. Aún aquello que es objeto de nuestra atención, se escurre como el inconcebible universo. Allí donde la semejanza se esfuma, revela la fotografía su poder distintivo porque, aún indescifrable, se trata de la huella material de una existencia.

Déjà vu | 2013

Vivian Galban
Déjà vu | Déjà vu, 2013
Vivian Galban
Déjà vu | Déjà vu, 2013
Vivian Galban
Déjà vu | Déjà vu, 2013
Vivian Galban
Déjà vu | Déjà vu, 2013
Vivian Galban
Déjà vu | Déjà vu, 2013
Vivian Galban
Déjà vu | Déjà vu, 2013

About the series

The series is composed of a photograph, Woman in blouse with edging, and a video installation, Déjà vu, a projection of a female figure on a real-sized egg.

Borges imagined a one or two inches sphere that gathers the whole cosmos. In Déjà vu, the artist condenses the force of life conceived as a sort of small gem where a woman swims in the blurred limits of the real egg and the metaphor egg. It is pure strength without extension, without events, which also figures our ignorance. We do not know what a body can do, Spinoza said, because our awareness of him is always inferior to his power. Outside the embryo, it stalks the world.

Valeria Gonzalez.

Sobre la serie

La serie esta compuesta de una fotografía, Mujer en blusa con ribete, y una videoinstalación, Déjà vu, una proyección de una figura femenina sobre un huevo en tamaño real.

Borges imaginó una esfera que, en dos o tres centímetros, reúne el cosmos. Vivian Galban, en Déjà vu, concentra la fuerza de la vida concebida como una suerte de joya pequeña donde una mujer neutra nada en los límites escasos del huevo real y del huevo metáfora. Es pura fuerza sin extensión, sin acontecimientos, que cifra también nuestra ignorancia. No sabemos lo que puede un cuerpo, dijo Spinoza, porque siempre la conciencia que tenemos de él es inferior a su potencia. Fuera del embrión, acecha el mundo.

Valeria Gonzalez

DEJAVÙ

DEJAVU es un proyecto de instalación minimalista y ascética de Vivian Galban, intensamente conectada a su visión del mundo y a su producción anterior. Persiste un dialogo binario que alguna vez tuvo que ver con el Ying Yang. Un cuerpo en un espacio amniótico primigenio y oval. Quien es? La generadora o el generado? Las ambiguedades condensadas en una misma capa se cuelan en la creación de la forma y en el despertar de los sentidos, alternativamente la obra es un video realizado con una serie de fotografías en secuencia, pero que semejan un dibujo, la mujer es un tanto adulta como un nonato. Un repertorio de gestos van quedando impresos en la conciencia como marcas para toda la vida. Son las primera defensas, los cierres y las aperturas que transitan la necesidad de autoprotección, la búsqueda de placer como aprendizajes sanadores, los primeros gestos que abren el capullo de la vida. Ensayos y errores en un intento de sanación. Vivian Galban es heredera del expresionismo, los ecos de Egon Schielle, Louise Bourgeois o Lucian Freud se hacen presente en su sentimiento trágico de la vida, en la crispación de la mirada. Figura, fondo, alegoría de la vida y de la muerte, principio y fin, un punto en el espacio donde se concentran todos los tiempos.

Graciela taquini, 2014

Anima | Anima, 2012

Vivian Galban
Anima | Anima, 2012
Vivian Galban
Anima | Anima, 2012
Vivian Galban
Anima | Anima, 2012

La Serie Anima, fotografía y video de Vivian Galban, con lleva la búsqueda expresiva de la existencia y condición humana.

Un plano liso negro da espacio a la inquietud y a su vez contiene y busca sentido.

En cuanto a lo formal hay una síntesis que nos hace pensar en la influencia del arte primitivo y en la necesidad de sintetizar un mensaje.

El tiempo necesario para el  reconocimiento de las partes fraccionadas del cuerpo imploran recomponer la totalidad, nos acerca a a una búsqueda cubista.

El contraste simultaneo del plano liso negro bordeando la forma hecha de luz, hace aparecer el expresionismo del cuerpo, el dramatismo y el movimiento inherente a la totalidad de la obra.

Anima abre el cuestionamiento y nos convoca al recuerdo acerca del ser humano y su condición animal. Condensa en forma atemporal, memoria, recuerdo, y futuro.

Graciela Taquini

Curadora

Acerca de dos cuerpos | About two bodies, 2011

Vivian Galban
Analogous I | Análogos I, 2011
Vivian Galban
Analogous II | Análogos II, 2011
Vivian Galban
YingYang | YingYang, 2011

“[…] with these photographs she also questions the relationship between body and female image, body and male image. The affective mist surrounding the definition of these singularities, which are not singularities, that are singularities in terms of the representation of a person’s affectivity, but not in terms of the sharp separation between two heteronormative ways of understanding sexuality or bodies”.

Andrea Giunta, Rethink Everything notes

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“‘Yin y Yan’ is a principle of Eastern philosophy that maintains that all things in the universe exist by and coexist alongside an other that opposes them, that complements them. In addition to Moira, the model that Vivian works with for years, a second model allows us to interrogate the borders of a binary sexuality. The limits of the bodies are blurred in a hypnotic video that makes evident the points of contact between bodies that, juxtaposed, question each others“.

Andrea Giunta, Rethink Everything notes

“[…] con estas fotografías interroga también, la relación entre cuerpo e imagen femenina, cuerpo e imagen masculina. La bruma afectiva entorno a la definición de esas singularidades, que no son singularidades, son singularidades en términos de la representación de la afectividad de una persona, pero no en términos de separación nítida entre dos formas heteronormativas de entender la sexualidad o los cuerpos”.

Andrea Giunta, Notas Pensar Todo de Nuevo

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“‘Yin y Yan’ es un principio de la filosofía oriental que sostiene que todas las cosas del universo existen por y conviven junto a un otro que se les opone, que las complementa. Además de Moira, la modelo con la que Vivian trabaja durante años, un segundo modelo permite interrogar las fronteras de una sexualidad binaria. Los límites de los cuerpos se desdibujan en un video hipnótico que vuelve evidente los puntos de contacto entre cuerpos que, yuxtapuestos, se interrogan”.

Andrea Giunta, Notas Pensar Todo de Nuevo

Entre el cielo y la tierra | Between the sky and the earth, 2009

Vivian Galban
Between the sky and the earth | Entre el cielo y la tierra, 2009
Vivian Galban
Between the sky and the earth | Entre el cielo y la tierra, 2009
Vivian Galban
Between the sky and the earth | Entre el cielo y la tierra, 2009

About the series

Between the sky and the earth is a triptych of photos that subtly captures a precise moment as a sequence. Moira, the portrayed model in the photos and in the video installation Climax – that accompanies the series- is condemn to repeat the same action over and over again, until exhaustion. She achieves her desire to vegetate in an eternal moment.

In the artist’s words, the series is the gaze of a woman from another woman’s point of view, exploring the relationship between artist and model.

Sobre la serie

Entre el cielo y la tierra es un tríptico de fotos que capta con sutileza un instante preciso a modo de secuencia. Moira, la modelo retratada en las fotos y en la video instalación Clímax (que acompaña la serie), se ve condenada a repetir la misma acción una y otra vez, hasta el cansancio. Cumple así, su deseo de vegetar en un instante eterno.

En palabras de la artista, la serie es la mirada de una mujer desde el punto de vista de otra mujer, explorando a su vez la relación entre artista y modelo.

Press, Texts & Publications
Texts